martes, 10 de enero de 2017

El dilema ético del fotoperiodista

Seguir a través de la lente los momentos más difíciles del ser humano, y componer en una sola imagen la historia que habla al mismo tiempo del individuo y de su realidad, es sin duda la más retadora y difícil de las funciones de la fotografía periodística. El fotoperiodismo tiene la finalidad de crear imágenes con el objetivo de presentar una noticia, las imágenes deben expresar un sentimiento frente a lo que esta aconteciendo y ser capad de mostrar ante todo un impacto sobre nosotros ante el espectador.

Greg Marinovich. Antorcha Humana. Premio Pulitzer 1991
La presencia de una cámara en cualquier tragedia o conflicto bélico se ha convertido en una obligación informativa y también en un negocio, la venta de la noticia por encima de todo. Ello comporta una serie de interrogantes éticos. ¿Puede el fotoperiodista en conciencia dar cuenta de un hecho tan grave como la autoinmolación de un hombre-bomba sólo para contarlo, sin intervenir de alguna manera, sin denunciar? ¿Está  la exclusiva, por encima de todo, incluso de la vida privada? ¿Es la información un agente real de cambio en nuestra sociedad?

Fabienne Cherisma, de 15 años, yace en el suelo después de ser tiroteada por la policía tras los disturbios después del terremoto de Haití el 19 de enero de 2010. Foto: Paul Hansen. 


El código ético de los Fotoperiodistas

Los fotoperiodistas actúan como testigos para el público. Su labor principal es registrar visualmente los eventos importantes y los puntos de vista variados en nuestro mundo común. La meta principal es captar el momento de una manera honesta y completa. El fotoperiodista tiene la responsabilidad de documentar a la sociedad y preservar su historia con imágenes.

Las imágenes fotográficas y de video pueden revelar grandes verdades, mostrar el mal y el descuido, inspirar la esperanza y el entendimiento, y conectar a la gente de nuestro mundo por el lenguaje visual. Las fotografías también pueden causar grandes daños si están tomadas sin sensibilidad y respeto o están manipuladas.

La Asociación Nacional de Fotoperiodistas (NPPA), es una sociedad profesional que promueve las niveles de calidad mas altos en fotoperiodismo, reconoce el interés de la gente de ser informada sobre eventos públicos y ser reconocida como un actor en nuestro mundo. Su código ético promueve la calidad mas alta en todas sus formas fotoperiodísticas y fortalecer la confianza del publico en la profesión. Además este codigo sirve como una herramienta educativa para los fotoperiodistas y los que aprecian el fotoperiodismo. Con ese fin, la Asociación Nacional de Fotoperiodistas propone el siguiente Código de Etica:

  • Los fotoperiodistas y los que manejan la producción de noticias visuales son responsables de trabajar según las siguientes reglas durante su trabajo diario:
  • Ser preciso y comprensivo en la representación de los sujetos.
  • Resistirse a ser manipulados por oportunidades fotográficas orquestadas.
  • Ser completos y dar contexto cuando esten fotografiando o grabando a los sujetos. Evitar estereotipos de personas individuales y grupos. Reconocer y evitar revelar sus propias tendencias en sus imágenes.
  • Tratar a todos sus sujetos con respeto y dignidad. Dar consideración especial a los sujetos vulnerables y tener compasión de las víctimas de crímenes o tragedias. Entrometerse en momentos privados de luto solamente cuando el público tiene una necesidad justificable para ser testigo.
  • Mientras se fotografía a los sujetos, no contribuir, alterar, intentar alterar o influenciar en los eventos intencionalmente.
  • Editando se debe mantener la integridad del contenido y contexto de la imagen. No se deben manipular las imágenes ni añadir o alterar el sonido de ninguna forma que pueda confundir al publico o representar los sujetos de una forma incorrecta.
  • No pagar a las fuentes y sujetos o premiarlos con información o participación.
  • No aceptar regalos, favores, o compensación de los que buscan influenciar la cobertura periodística.
  • No sabotear intencionalmente los esfuerzos de otros periodistas.
Según el mismo ideario, los fotoperiodistas deben:
  • Esforzarse en divulgar lo que es de interés del público. Defender los derechos de acceso a todos los periodistas.
  • Pensar pro-activamente, como un estudiante de psicología, sociología, política y arte para desarrollar una visión y presentación única. Trabajar con ganas para las noticias y medios visuales contemporaneas.
  • Esforzarse por tener acceso total sin restricciones a los sujetos, recomendar alternativas a oportunidades superficiales o apresuradas, buscar puntos de vista diversos, y trabajar para exponer los puntos de vista poco populares o no tomados en cuenta.
  • Evitar involucrarse políticamente, cívicamente, o en negocios que comprometen o den apariencia de comprometer su independencia periodística.
  • Esforzarse por ser discreto y humilde con los sujetos.
  • Respetar la integridad del momento fotográfico.
  • Esforzarse para mantener el espíritu y los niveles altos de calidad expresados en este código. Al afrontar situaciones en los que la acción correcta no esta clara, buscar el consejo de los que exhiben los niveles mas altos de la profesión. Los fotoperiodistas deben estudiar su arte continuamente y la ética que lo guía.

Opinión

¿Es un hombre capaz de parar un brote de ébola? ¿o evitar una matanza de civiles en algún país remoto?. Hay mucha gente que no entiende como puede haber personas que hagan dinero con el sufrimiento y la muerte para que los telespectadores puedan verlas tranquilamente por la televisión mientras cenan. Pero la realidad es que estos periodistas se juegan el pellejo para retratar el horror, nos enseñan lo que el resto de personas no queremos ver, son los únicos que no pueden mirar hacia otro lado. 

¿Pero son capaces estas imágenes de provocar algún cambio en la sociedad o en el transcurso de la historia, tal como afirma James Nachtwey?. En una era de sobresaturación de imágenes en las que destaca el impacto visual, estamos anestesiados ante cierto tipo de fotografías. Don McCullin está convencido de lo contrario: "desde niño he visto este tipo de fotos y nada ha cambiado en 60 años respecto a la guerra. Quizá por esta razón Benjamin Lowy asegura que lo que ha aprendido en el frente es que "los seres humanos nunca han dejado de batallar. Siempre lo harán. Por eso es importante documentar la guerra. Para saber lo que el hombre es capaz de hacer en nombre de cosas como el dinero, por ejemplo.

Es verdad que juegan en una línea peligrosa, se juegan 

sábado, 7 de enero de 2017

Fotopoema: "La Crueldad"

Fotopoema "La Crueldad" de Luis García Montero.

Podríamos decir que un "Fotopoema" es el resultado de la fusión de dos manifestaciones artísticas: la fotografía y la poesía/literatura. En muchas ocasiones, la contemplación reposada de una imagen nos provoca a su vez sentimientos y sensaciones diversas; en definitiva, impresiones que nuestro cerebro procesa y es capaz de transformar en palabras; es entonces cuando nace un "Fotopoema".

Como inspiración para mi fotografía he elegido el poema de "La Crueldad" de Luis García Montero.

Foto: Dani Martín.

LA CRUELDAD
No es el cuchillo que por fin nos mata,
sino la espera fría de su hoja en la piel,
el tiempo sucio y duro,
los plazos del temor, porque la muerte
suele afilar sus armas
en el miedo cortante de la víctima.
No es el tener que irme,
ni es el amor vivido en dos ciudades,
sino la cuenta atrás de los últimos días,
la mala noche que pasea
su cuchillo de dudas en el pecho,
y después la mañana rencorosa,
el desilusionado rencor de los kilómetros
que me van separando una vez más,
por la M-30,
como la uña de la carne.

"Recuerda que tú existes tan sólo en este libro..." de Luis García Montero
Foto: Javier Pelaez.
Recuerda que tú existes tan sólo en este libro,
agradece tu vida a mis fantasmas,
a la pasión que pongo en cada verso
por recordar el aire que respiras,
la ropa que te pones y me quitas,
los taxis en que viajas cada noche,
sirena y corazón de los taxistas,
las copas que compartes por los bares
con las gentes que viven en sus barras.
Recuerda que yo espero al otro lado
de los tranvías cuando llegas tarde,
que, centinela incómodo, el teléfono
se convierte en un huésped sin noticias,
que hay un rumor vacío de ascensores
querellándose solos, convocando
mientras suben o bajan tu nostalgia.
Recuerda que mi reino son las dudas
de esta ciudad con prisa solamente,
y que la libertad, cisne terrible,
no es el ave nocturna de los sueños,
sí la complicidad, su mantenerse
herida por el sable que nos hace
sabemos personajes literarios,
mentiras de verdad, verdades de mentira.

Recuerda que yo existo porque existe este libro,
que puedo suicidarnos con romper una página


"Canción 19 horas" de Luis García Montero
Foto: Aroa García

¿Quién habla del amor? Yo tengo frío
y quiero ser diciembre.

Quiero llegar a un bosque apenas sensitivo,
hasta la maquinaria del corazón sin saldo.
Yo quiero ser diciembre.

Dormir
en la noche sin vida,
en la vida sin sueños,
en los tranquilizados sueños que desembocan
al río del olvido.

Hay ciudades que son fotografías
nocturnas de ciudades.
Yo quiero ser diciembre.

Para vivir al norte de un amor sucedido,
bajo el beso sin labios de hace ya mucho tiempo,
yo quiero ser diciembre.

Como el cadáver blanco de los ríos,
como los minerales del invierno,
yo quiero ser diciembre.




sábado, 17 de diciembre de 2016

La serie Fotográfica

La serie fotográfica es un conjunto de fotografías que tienen algo en común y presentan una correspondencia de  contenidos. Puede ser por contener continuidad visual, similitud de escenarios, colores o luces; o por tener una continuidad temática, es decir por abarcar todo aquello que rodea a un tema en concreto; o continuidad temporal, es decir, un hecho que sucede a lo largo del tiempo, por ejemplo, un día en un determinado lugar, un país a través de los años, etc.; o continuidad geográfica, por ejemplo, siguiendo un recorrido determinado por un cauce de un río, por un paseo, un sendero o una ruta; o incluso continuidad histórica y biográfica.

La dificultad de la serie radica en que el conjunto de imágenes debe contener una narrativa fotográfica y debe ser capaz de expresar un sentimiento, una idea, una preocupación , una denuncia, o una información a través de ese conjunto de imágenes.

La siguiente serie intenta representar la personalidad de un grupo de personas, estudiantes de fotografía, a través de su calzado y la información que nos da ellos, el modelo, los colores y la posición.


jueves, 15 de diciembre de 2016

La velocidad de obturación - Acción, barridos y movimientos cinéticos

Elegir una velocidad de obturación que nos de una imagen nítida depende fundamentalmente de dos factores: 
  • el movimiento de los elementos que aparecerán en el encuadre
  • y el movimiento de la propia cámara, voluntario o no.
La velocidad necesaria será la más alta de esas dos:
  • la necesaria para ‘congelar’ los elementos móviles, 
  • y la necesaria para hacerlo con los movimientos de la cámara. 
La fotografía con altas velocidades de obturación nos permite también ver escenas que se escapan al ojo humano. En ocasiones y para tener esas velocidades, si la escena no está muy iluminada será necesario el uso de objetivos muy luminosos o valores altos de sensibilidad ISO.

Para evitar la trepidación, que es la falta de nitidez por culpa del movimiento de la cámara, la regla clásica de los manuales de fotografía dice que para disparar una cámara de 50 mm sostenida con las manos se podrá disparar sin problemas de trepidación a 1/50 seg, o un teleobjetivo de 200 mm a 1/200 seg. Pero actualmente con los objetivos y cuerpos estabilizados, podremos bajar hasta 3 puntos esa velocidad.

Tenemos varias técnicas para representar el movimiento en las imágenes:
  • Congelar la acción: Usaremos velocidades de obturaciones altas. Normalmente estas imágenes irán acompañadas con una poca profundad de campo al usar diafragmas más cerrados. El resultado es una imagen estática, en la que no se aprecia la velocidad de la acción ni el movimiento. 
Congelando la acción: 1/2500, f3.2, ISO 100, Objetivo 180mm
Aunque se ha utilizado una alta velocidad de obturación, el movimiento viene implícito en los trozos de barro y la posición agresiva del piloto.
  • Barridos. Consiste en bajar la velocidad de obturación de tal manera que unido a un movimiento de cámara siguiendo a un sujeto que se desplaza, el sujeto queda nítido y el fondo movido. Para conseguir hacerlo a la perfección debemos prever donde realizaremos el disparo y tener ese punto preenfocado, como normalmente usaremos diafragmas cerrados tendremos mucha profundidad de campo y bastante margen donde realizar el disparo.
Aplicando la ley de reciprocidad para realizar un barrido. 1/80, f18, ISO 100, Objetivo 125 mm
  • Fotografía cinética:. Es otra técnica para dar dinamismo a la imagen. Consiste en disparar con la cámara en pleno y brusco movimiento para crear imágenes espectaculares y muy vistosas para determinadas situaciones. Deberemos probar y analizar los resultados. Trastear con diferentes velocidades y utilizar los valores de obturación para expresar en la imagen lo que estamos buscando.
Girando la cámara durante una exposición de 1/2 seg a f11. ISO 200. El efecto se acentúa en entornos oscuros con puntos de iluminación fuertes.

domingo, 4 de diciembre de 2016

Como calcular la exposición correcta.

En este artículo analizábamos porqué el exposímetro de nuestra cámara es tonto y tenemos que interpretar la información que nos da. Pero entonces ¿como debo medir para exponer mis fotografías?. Bueno, la mayoría de las veces creo que el fotómetro de la cámara hace un buen trabajo, pero estaría bien y entrar en antecedentes con el maestro de la fotografía de paisajes del siglo pasado, Ansel Adams.

En su libro "The Negative" dedica casi 50 páginas al sistema de zonas. Hoy 80 años después sigue estando vigente, incluso más a manos gracias al revelado digital. Y que a nosotros nos valdrá para saber a qué exponer y cuánto debemos subexponer o sobreexponer dependiendo de lo que tengamos encuadrado.

El sistema propuesto por Ansel Adams, con alguna variación, es el siguiente:

Cada zona descrita por Adams corresponde a un valor de exposición (EV) es decir a pasos completos de diafragma y obturador. Sabemos que si encuadramos totalmente una superficie blanca y exponemos a lo que el fótometro marque 0, la imagen que tendremos es color gris que corresponde la Zona V de Ansel Adams.

La cámara no entiende de colores, mide simplemente la cantidad de luz reflejada y tampoco entenderá que es lo que tiene delante. El fotómetro de la cámara hará lo posible para confundirte y que saques con el mismo tono de gris tanto un blanco puro como la superficie de una mesa de bodegón, un blanco con textura como el  vestido de una novia o una tela de terciopelo negro.

Es decir si medimos una mesa de bodegón que necesitemos que esté en la Zona X ya que es una blanco puro, tendremos que subir la exposición 5 pasos:

En el siguiente ejemplo he fotografiado la superficie de mi mesa de trabajo que es un blanco que se encuentra en la zona IX, es decir cuatro pasos. El exponiendo a 0 lo que marcaba la cámara el resultado fue el siguiente.


Para sacar la exposición correcta, tuve que sobreexponer 4 pasos (recuerda 1/500, 1/250/, 1/125, 1/60)



Ahora bien, si queremos exprimir el sensor de nuestra cámara cuando disparamos en RAW, tenemos que medir puntualmente aquella zona mas luminosa de nuestra escena y llevándolo al límite de luces de nuestro sensor, ¿que cómo se hace eso?. Pues tenemos que saber cuál el es límite de nuestra cámara, para eso haremos una prueba, sobreexponiendo valores hasta que los blancos queden reventados, es decir que la información del histograma esté lo más posible a la derecha. Hay que tener en cuenta que la información tanto del histograma como de blancos que nos muestra la cámara es una interpretación en jpg de los ajustes que tenemos predeterminados, cuando llevemos el RAW al ordenador y lo visualicemos, vemos que aún tenemos margen para recuperar luces.

Las siguientes imágenes muestran la prueba que he realizado:











La ventaja de exponer para las luces, es que aprovecharemos al máximo la capacidad de recogida de información de nuestro sensor, y si en revelado digital necesitamos sacar información de las sombras no nos aparecerá tan evidente el temido "ruido":

Imagen RAW, exponiendo según cámara
Corrigiendo la exposición en RAW para sacar detalles en sombras.
Recorte 100% de la imagen RAW corregida para sacar detalles.



Exponiendo para las luces. Medición puntual en la parte blanca de la mesa y sobreepongo 3 EV.  

Recorte 100% de la imagen Del RAW corregido. se nota claramente que hay menos ruido.

sábado, 3 de diciembre de 2016

"Aunque tú no lo sepas". Encuentros con la poesía de Luis García Montero


El pasado miércoles 23 de Noviembre y englobado en las actividades programadas por CIBRA, el Festival del Cine y la Palabra que se organiza en Toledo, se presentó el documental sobre la poesía de Luis García Montero "Aunque tú no lo sepas". Un documental que lleva por nombre uno de los poemas más conocidos de este autor y que conecta perfectamente con el propósito que se persigue: abrir una ventana al desconocido mundo de la poesía desde otros ángulos y desde otras disciplinas artísticas.

Acudió a la cita con la octava edición de este festival de la mano de Charlie Arnaiz, para presentar esta película que ofrece un  recorrido a través de su vida, sus experiencias, sus maestros, sus anécdotas e influencias. 

Tras la proyección García Montero y Arnaiz mantuvieron  un coloquio con el público asistente al Matadero Lab, entre los que se encontraban seguidores de su obra, estudiantes de audiovisuales y alguna que otra representación política.





Luis García Montero. Biografía.

Luis García Montero (Granada, 1958) es poeta y Catedrático de Literatura Española en la Universidad de Granada. Es autor de once poemarios y varios libros de ensayo. Recibió el Premio Adonáis en 1982 por El jardín extranjero, el Premio Loewe en 1993 y el Premio Nacional de Literatura en 1994 por Habitaciones separadas. En 2003, con La intimidad de la serpiente, fue merecedor del Premio Nacional de la Crítica.. 

La característica más resaltada de Luis García Montero es el narrativismo histórico-biográfico de sus poemas que casi tienen una estructura teatral o novelística con un personaje o protagonista que cuenta o vive su historia, bien sea a través de la memoria, del recuerdo, del deseo, es decir, de la materia poética.


viernes, 2 de diciembre de 2016

¿Por qué la exposición correcta, no es la que te marca la cámara?



El fotómetro de la cámara está calibrado para ajustarlo a una determinada cantidad de luz (la famosa carta gris 18% de Kodak). Esto funciona bien casi siempre, por ejemplo si hacemos una foto de paisajes y entra mucha luz, la cámara nos avisa: - ¡eh, que se te está quemando!. El problema viene si queremos hacer una foto con gran cantidad de espacio blanco o a un papel, ¿que nos dice la cámara?, pues lo mismo: ¡eh, que está entrando mucha luz!, y te avisa para que bajes la exposición a lo que el fotómetro está calibrado (ese famoso gris medio).

Te prometo que es es la mesa mas blanca que has visto.

Pero... ¡nos ha jodientonces el blanco saldrá gris!. De ahí la función de "compensación de exposición",  pero está pensado sobre todo para modos automáticos o semiautomáticos. Para sacar los blancos hay que sobreexponer uno o dos pasos lo que dice el fotómetro. (

¿Y entonces para los negros? Pues no sé... Bueno si, ¡pero hagamos la prueba!. Colocamos algo negro y llenamos el encuadre para fotografíarlo. ¿Aún te atreves a poner el exposímetro a 0  por que te han enseñado que si no la foto está subexpuesta?

Pero si es lo que queremos es subexponer porque buscamos un negro que refleja menos luz que un gris

Se entiende muy bien si se hace la prueba en casa: con los valores que pide la cámara haced una foto a un papel blanco y luego a una superficie negra ¿sorprendidos por el resultado?.

Seguramente estos sean los valores más adecuados de exposición para fotografiar la escena.