domingo, 2 de octubre de 2016

La Fotografía Estenopeica


Cuando cogemos una cámara y nos ponemos a disparar, pocas veces pensamos en el funcionamiento de la luz y como la cámara recoge la imagen. Pero antes de llegar al momento actual con ópticas, sensores, motores de enfoque y electrónica avanzada, los chinos ya constataron en el siglo V a.c. que la luz viaja en línea recta y que cuando pasaba a través de un orificio se formaba una imagen invertida, describiendo así el fenómeno de la cámara oscura.


El término 'cámara oscura' se debe  a que el instrumento hasta el siglo XVI toma por lo general la forma de una habitación, con las ventanas cerradas y un pequeño agujero practicado en una ventana o en la puerta. La luz entra en la habitación a través del agujero y proyecta la imagen en una pantalla o en la pared opuesta al agujero. 


Pero no fue hasta mediados del siglo XIX  cuando gracias al nitrato de plata, material fotosensible que ennegrece con la luz, se consiguió hacer que esa imagen proyectada se convirtiese en una imagen permanente. Eso ha ido evolucionando pasando de materiales químicos y fotosensibles a sensores electrónicos actuales.

Cámara estenopeica digital

La fotografía estenopeica o pinhole consiste básicamente en realizar un pequeño agujero en algún material a través del cual se proyecta la luz para impactar en un material sensible.

Si queremos experimentar, es bastante sencillo de realizar si disponemos de una cámara digital y la tapa de protección del cuerpo de la cámara.

Primero taladraremos el centro de la tapa para crear una apertura .Posteriormente crearemos el estenopo, que es el pequeño agujero por donde entrará la luz. Es recomendable hacerlo con una lamina que permita refinar el agujero, aunque yo le he hecho simplemente con un poco de cinta aislante pinchado con un alfiler, así que los resultados no muy aceptables.

Hay diversas fórmulas para calcular correctamente el diámetro del estenopo, ya que una apertura muy grande nos dará poca definición, como es en este caso. Por el contrario, una apertura muy pequeña nos dará mas definición, pero unos tiempos de exposición muy largos.

Para hacer el estenopo que corresponde a nuestra cámara hay que medir la Distancia Focal, es decir la distancia entre donde está el estenopo y el sensor de la cámara. Para calcular la medida en milímetros del diámetro de la aguja que debemos usar, se se calcula con la siguiente fórmula

0.04 x raíz cuadrada de la distancia focal.



Ahora solo tendremos que cálcular la exposición para una apertura de diafragma de alrededor de f.150. y disparar con mentalidad del siglo XIX.


sábado, 1 de octubre de 2016

Nuestra mejor y peor foto.

Indicar cual de nuestras fotos es la mejor y cual la peor, suele ser un esfuerzo enorme. ¿Cual puede ser la peor?, ¿y la mejor?. ¿Cuándo se considera que una fotografía es buena o mala?, ¿qué debe tener una imagen para ponerla en uno u otro grupo?.

Opinando sobre fotografías de otros autores, podemos indicar  que nos parecen buenas fotografías las que nos transmiten algo o las que somos capaces de imaginarnos una historia o por que la técnica está depurada y por su buena composición . Si además somos capaces de ver mensaje y técnica en una misma fotografía, nos parecerán imágenes excepcionales. Otras veces sin embargo, por no tener el conocimiento suficiente sobre el género, el autor o tema que trata, opinaremos que no nos gusta o es una mala fotografía.

Imagen correcta técnicamente, pero sin mensaje ni contexto. Composición adecuada, profundidad de campo amplia pero disparada al azahar sin buscar nada en concreto. Foto mala.

Para el enorme ejercicio autocrítica que supone seleccionar la peor y la mejor imagen de nuestro archivo fotográfico, ¿en qué debo fijarme?. Una foto de la mascota, o con el abuelo, suele contar una historia personal, y aún teniendo un montón de defectos técnicos, para mí sería una buena fotografía por la historia que hay detrás (aunque yo solo la entienda). Por el contrario,  fotos de por ejemplo monumentos, que están perfectamente compuestas y con un revelado adecuado, con buen color y nitidez, pueden estar vacías de contenido si no están en un contexto, y  no transmiten nada.

Estaba buscando un motivo abstracto para decorar el salón. Utilicé una velocidad de exposición muy bajo y con un ligero movimiento de cámara para "vaporizar" la imagen. El resultado fue prácticamente el deseado. Foto buena.

Así que básicamente para encontrar nuestra mejor o peor fotografía, tenemos que ver más allá de si cumple la regla de los tercios o si está o no movida; simplemente tenemos que preguntarnos si el resultado que hemos obtenido es lo que realmente estábamos buscando. Si lo hemos conseguido, estamos ante una buena fotografía.

¿Y la solución ante fotografía que consideramos mala? Simplemente no tener el "síndrome de Diógenes digital", borrarla sin miramientos... y mañana volverlo a intentar hasta conseguir los resultados que nos hemos propuesto.

jueves, 29 de septiembre de 2016

La fotografía callejera, el momento decisivo.

"La Calle Bond"
El género fotográfico parece sencillo de realizar: coger la cámara y salir a la calle "a tirar" fotos. Sin embargo, aunque este sea el "modus operandi" y el espacio habitual para muchos, la verdadera dificultad es conseguir resultados óptimos y brillantes. Es decir, lograr capturar el momento decisivo de una imagen espontánea gracias a la observación y a la anticipación.

"Sin gente, no eres nada".
Este tipo de fotografía ha sido durante buena parte del siglo XX uno de los géneros favoritos del documentalismo, siendo Henri Cartier-Bresson uno de los principales precursores, o por lo menos al que se le debe el concepto de fotografía de calle repetido una y otra vez: "capturar el momento decisivo".

"Están debajo".
Lo que mejor nos puede ayudar a entender este género pueden ser las citas de algunos de los fotógrafos de sus fotógrafos más relevantes:
  • Bruce Gilden: “Si se puede oler la calle al mirar una foto, es fotografía callejera.”
  • James Maher: "La fotografía callejera debería definirse más por sus “qués” y no tanto en sus “por qués”: El fotógrafo de calle la hace porque busca encontrar una sorpresa, dar con una expresión a su propia curiosidad sobre la humanidad y lo que la gente construye".
  • Sergio Larrain: "El fotógrafo callejero es un cazador de milagros".
  • Tanya Nagar: "La fotografía urbana consiste en capturar la realidad que nos rodea: momentos espontáneos que podrían esfumarse en un visto y no visto.”
  • Richard Kalvar: "Me gusta retozar con la realidad ordinaria, usando actores sin poses que son ajenos a los dramas en los que los he colocado".
  • Eric Kim: "No hay que preocuparse tanto por lo que la fotografía de calle es o no es, sino tratar de salir y tomar lo que uno cree que es fotografía callejera".











martes, 27 de septiembre de 2016

Sebastiao Salgado y el inicio de un blog.


Aprovechando la reciente exposición "Sebastião Salgado. Génesis. Arte en la calle", que el Ayuntamiento de Toledo y la Obra Social "La Caixa" ha organizado en el Paseo del Miradero, qué mejor manera de comenzar un blog que una entrada sobre este genial fotógrafo brasileño. Un fotógrafo "por casualidad", ya que ha diferencia de otros que crecieron entre negativos, cámaras y líquidos reveladores, Salgado miró por primera vez a través del visor de una cámara fotográfica a los 26 años gracias a una cámara que se compró su mujer. A partir de ese momento abandonó un acomodado trabajo como economista en el Banco Mundial, y se embarcó en la aventura de dedicarse por entero a la fotografía para documentar todo tipo de dramas sociales y humanos; desde refugiados y desplazados por el hambre y la guerra, las difíciles condiciones de vida de agricultores y mineros, hasta la hambruna en Etiopía, los pozos petrolíferos ardiendo en la Guerra del Golfo o el Genocidio de Ruanda.

"Génesis"


Después de décadas mostrando tragedias de la humanidad y tras algunas controversias y críticas a su obra acusándole de "esteta del horror", con el proyecto "Génesis"  da un giro a su carrera fotográfica cambiando el documentalismo por el ambientalismo. Deja a un lado hambrunas, guerras y desigualdades de anteriores trabajos como "Trabajadores" o "Éxodos" y crea un punto de inflexión en su obra que le lleva a través de los cinco continentes buscando espacios vírgenes y centrándose en la belleza, majestuosidad y fragilidad de la Tierra, invitando al espectador a preguntarse sobre el estilo de vida humano y su actual impacto en los recursos naturales.


Génesis es un proyecto centrado en la naturaleza de nuestro planeta. «Una oda visual a la majestuosidad y fragilidad de la Tierra; una advertencia de todo lo que corremos el riesgo de perder», en palabras del propio fotógrafo. Desde 2004 hasta 2012, Salgado realizó un total de 32 viajes para llevar a cabo este recorrido por el mundo virgen, con paradas en la Antártida, Madagascar, Botsuana, el Parque Nacional de Kafue en Zambia, la meseta del Colorado en Estados Unidos, Alaska, el archipiélago de las Galápagos en Ecuador, Siberia y la selva del Amazonas, entre otras, creando en su conjunto un mosaico increíble donde la naturaleza se expresa en toda su grandeza


"Arte en la calle".

Dentro de su actividad cultural, la Obra Social de la Caixa está prestando una atención especial al arte más contemporáneo Mediante sus exposiciones sobre cine y fotografía, la Obra Social ”la Caixa” quiere mostrar la influencia de las imágenes en la sensibilidad contemporánea y destacar el papel de los grandes creadores visuales del siglo XX en nuestra forma de ver el mundo.

Esta exposición que hemos podido disfrutar durante el mes de septiembre, forma parte del programa Arte en la calle, a través del cual se quiere aproximar el arte a las personas fuera del marco habitual de museos y salas de exposiciones. Está formada por 38 grandes estructuras de hierro que ha modo de ventana, sostiene, colgadas como flotando en su centro, cada una de las fotografías impresas en aluminio de gran formato, donde nos muestra paisajes, animales y personas que han sido capaces de escapar de la influencia del mundo moderno en regiones polares, bosques y sabanas tropicales, desiertos abrasadores, montañas dominadas por glaciares e islas solitarias.


La fotografía de Salgado.

Salgado es un gran referente y una fuente de inspiración, pero no solo por la gran carga social y la evidente potencia de sus imágenes acentuadas por el siempre omnipresente blanco y negro de su obra que irremediablemente nos recuerda a Ansel Adamsm. Llama la atención la poderosa utilización de líneas como elemento principal de la composición; líneas formadas por la repetición de elementos, o por las sombras generadas por multitud de arroyos que convergen en el centro del valle.

Glaciar de Svartisen (Noruega)

Lo que más me llama es su manera de hacer y entender la fotografía en su conjunto, ya que según él, - "No vas a tomar una fotografía, vas a construir una historia" y para eso hay que trabajar con calma, involucrarse con la comunidad y ser capaz de materializar todas las ideas en una sola imagen.

Es complicado elegir alguna obra como preferida de manera aislada, aunque es posible que entre varias que me llamaron especialmente la atención, destaqué la imagen en la que aparecen varios focas delante de una colonia de pingüinos que realizó en la isla de Georgia del Sur. Técnicamente la fotografía me parece perfecta, un blanco y negro que cubre toda la gama de grises, la luz que siluetea a los animales... Pero sobre todo, lo que captó realmente mi atención es la cercanía de la toma, donde se puede ver al propio fotógrafo reflejado en la retina de la foca principal, creando un punto muy fuerte de atención que genera un vínculo entre el espectador y la toma que te hace sentir parte del paisaje.